Por Marisol Aguila Bettancourt. Periodista y crítica de cine.
Como cada verano desde hace 48 años, en el año que está comenzando el Festival de Cine UC ofrecerá una cuidada selección de pre-estrenos exclusivos (tales como El brutalista de Brady Corbet, Bird de Andrea Arnold, Flow de Gins Zilbalodis o la controversial Emilia Pérez de Jacques Audiard, entre otros), estrenos internacionales y nacionales, lo mejor del año que recién se fue y un foco en la humanista filmografía del director finlandés Aki Kaurismaki.
Completamente gratuito y con la innovación de tickets on line para asegurar cupos, el 48° Festival de Cine UC, que va del 10 al 25 de enero en la sala de Cine del Centro de Extensión UC, promete vestir de cine y de conversaciones sobre él las calurosas tardes santiaguinas, exhibiendo varias películas recientemente premiadas en los Golden Globes (a veces capturados por inentendibles criterios) y que probablemente sean nominados en distintas categorías para los Oscar en apenas una semana.
A continuación les dejo algunos imperdibles de esta nueva edición del Festival de Cine UC fundado en 1977 y que, por su origen académico al alero de la Universidad Católica, ha buscado expandir la comprensión del lenguaje cinematográfico a través de una selección de películas que reflexionan sobre nuestra compleja y abismante contemporaneidad, con retrospectivas, muestras y secciones no competitivas de gran calidad por casi medio siglo.
Anora, Sean Baker (EE.UU., 2024)
El tratamiento cariñoso y profundamente respetuoso que el director norteamericano Sean Baker habitualmente le da a sus personajes que son marginados y excluidos del «sueño americano» en Estados Unidos, en el caso de la trabajadora sexual Anora (que le da el nombre a su última película) se convierte en dignidad y entereza cuando debe sufrir la discriminación y la persecución, tras haberse casado con el joven e inmaduro hijo de un oligarca ruso.
La actriz Mikey Madison le da vida a Anora, esta joven stripper de 23 años que vive en Brooklyn y que ve la posibilidad de un cambio radical en su vida cuando llega hasta el local nocturno en el que trabaja el apuesto y millonario Igor (Yura Borisov), que al principio le ofrece más pago por su trabajo sexual, por pasar un fin de semana con él y hasta se casa con ella, y luego no es capaz de asumir su decisión frente a su familia, que busca anular el rápido matrimonio.
Precedida de la Palma de Oro en el Festival de Cannes 2024, Anora es una comedia que saca risas mientras su protagonista y sus rusos captores recorren la noche buscando a Igor y, al mismo tiempo, es profundamente humana en su reivindicación de los marginados de siempre, con un intenso, visceral y esperanzador final que conmueve.
The beast, Bertrand Bonello (Francia, 2023)
Un sentimiento de fatalidad recorre a Gabrielle (la francesa Léa Seudoux), quien tiene el presentimiento de que una bestia se puede soltar en cualquier momento. Para el protagonista de la novela corta de Henry James «La bestia en la jungla» de 1903, en que está inspirada la película de ciencia ficción The beast (2023) de Bertrand Bonello, la premonición podría haber sido la primera Guerra Mundial. Mientras, para la protagonista de la adaptación cinematográfica del libro (que por primera vez en la filmografía del director francés es femenina), la tragedia en ciernes que adelanta una paloma dentro de la casa y las advertencias de las adivinas, podría ser la inevitable erradicación de un elemento definitorio de la condición humana: las emociones.
Corre el año 2044 y la inteligencia de los seres humanos ya no puede competir con la Inteligencia Artificial; la emocionalidad se ha vuelto un impedimento para el desarrollo de la sociedad. Gabrielle busca trabajo y para aumentar sus posibilidades de conseguir uno interesante le sugieren que la Inteligencia Artificial purifique su ADN para extraer sus emociones, para lo cual deberá limpiar sus vidas pasadas y así liberar traumas heredados desde hace siglos. Viviendo en distintos años y territorios, Gabrielle no pudo ir a la escuela de pequeña porque estalló la guerra civil de Estados Unidos y vivió otros eventos históricos multiplicados por muchas vidas.
Uno de sus karmas es la imposibilidad afectiva con Louis (el inglés George Mackay) –«un hombre que hace el amor sólo en sueños»-, con quien se encuentra una y otra vez en distintas épocas históricas (1910, 2014, 2044) y es la razón por la que se resiste a borrar de su programación sus sentimientos, decisión que enfrentará un terrorífico final.
En The Beast Bonello explora la deshumanización, la desafección entre hombres y mujeres y la profunda soledad que sienten los personajes, a pesar de las facilidades tecnológicas. En un diagnóstico contemporáneo, la última versión de Louis en Los Ángeles en 2044 es una aterradora expresión de la comunidad de hombres incel o célibes involuntarios, incapaces de relacionarse con mujeres por un alto resentimiento y misoginia.
La Zona de Interés, Jonathan Glazer (Reino Unido, 2023)
En la película ganadora del Oscar a Mejor Película Extranjera 2024 La Zona de interés, el director británico Jonathan Glazer hace una arriesgada y magistral apuesta por abordar la brutalidad del genocidio perpetrado por los nazis, no desde las imágenes del horror tantas veces expuestas en el cine hasta trivializarse: lo hace desde el fuera de campo y un diseño sonoro que hace que el espectador deba imaginar lo que sucede al otro lado de la pared, volviéndolo más espeluznante aun. Las aberraciones que ocurren en el campo de concentración de Auschwitz se escuchan desde una casa colindante en la que el comandante Rudolf Höss, su esposa Hedwig y sus hijos viven un sueño burgués.
Esta familia aparentemente modelo vive en una hermosa casa con un bello jardín y disfruta de idílicos paisajes naturales junto al río, como si a unos pocos metros no se estuviera produciendo la mayor tragedia del mundo moderno, lo que en la mirada de Glazer representa «la banalidad del mal» (Hanna Arendt) de estos funcionarios que cumpliendo órdenes no se cuestionaron sobre su responsabilidad en el holocausto.
En un desafío formal experimental, el director utiliza un sistema técnico de cámaras fijas ubicadas a distancia y movidas a control remoto para no interferir en la actuación de los actores, entre los que destacan la fría e inescrupulosa esposa de Höss, Hedwig, interpretada notablemente por la alemana Sandra Hüller, que incluso se apropia de los abrigos de piel, ropa y joyas de las víctimas de su marido.
El Jockey, Luis Ortega (Argentina, 2024)
El director argentino Luis Ortega (El ángel, Historia de un clan) se topó una vez en la calle con una excéntrica figura mitad hombre mitad mujer, con un tapado de piel y una cartera; la siguió y tras entrar a varias farmacias para pesarse, le dijo: «Peso cero en todas las balanzas; no existo, pero me persiguen».
Este personaje real fue el disparador del personaje de Remo Manfredini (con una notable actuación del internacional actor argentino Nahuel Pérez Biscayart), un jinete alcoholizado, con problemas de identidad que toma las drogas de los caballos, en la delirante, extraña y fascinante ficción El Jockey.
Con toques surrealistas, situaciones disparatadas y un dosificado humor, El jockey es un juego en el que hay que dejarse llevar a veces sin tratar de entender demasiado, tal como Manfredini al deambular por las calles porteñas tras sufrir un accidente en el caballo fina sangre japonés Manshini, casi como una liberación de las imposiciones del mafioso Sirena (el mexicano Daniel Giménez Cacho, que interpretó a Zama de Lucrecia Martel). Como un bebé (hay varios distintos en brazos de Sirena y sus matones) que mira por primera vez el mundo, el antiguo Manfredini convertido en Dolores se maravilla con los sencillos detalles del respirar de la ciudad.
La banda sonora de la película El Jockey, con temas de Virus, Palito Ortega (padre del director) o Piero es un personaje en sí mismo, que pone la música a alucinantes coreografías de Manfredini con su novia Abril (la española Úrsula Corberó) o la chilena Mariana Di Girolamo, ambas jinetes que se apoyan en la espera de la hija de la primera y del transformado Manfredini.
Oasis, Tamara Uribe y Felipe Morgado (Chile, 2024)
A cinco años del estallido social y a tres del primer proceso constituyente, que un documental comenzado a filmar en 2019 no pierda la vigencia y que presente nuevas miradas sobre los mismos acontecimientos históricos que registraron tantos otros ojos y cámaras, es un desafío de envergadura.
Más aún cuando desde la oligarquía chilena se ha instalado una lectura contaminada que considera el justo reclamo y movilización social como «octubrismo» y que sabemos el fin de esta historia, porque la vivimos: la esperanza de cambiar el modelo impuesto en dictadura terminó con dos procesos constituyentes fallidos; impunidad en los casos de violaciones a los derechos humanos cometidos por agentes de Estado; ningún cambio de fondo; y, peor aún, un deterioro en las condiciones de vida de las y los ciudadanos.
El colectivo Mapa Fílmico de un País (MAFI) lleva una década realizando registros documentales para contribuir a la memoria audiovisual del país y fomentar la reflexión social a través de las imágenes, que adquieren un estatus de archivo para la Historia con mayúscula. Ya lo hizo en 2014 con Propaganda, en 2019 con Dios, en 2023 con Pampas marcianas. De la mano de sus directorxs Tamara Uribe y Felipe Morgado, en 2024 MAFi llevó su rigurosa observación con sus característicos planos fijos a un nivel superior con Oasis, que escudriña en las luces y sombras del primer proceso constitucional y fue estrenado en Forum de la Berlinale.
Animalia Paradoxa, Niles Atallah (Chile, 2024)
Como una decisión artística pero también política, el artista visual y director Niles Atallah filmó su tercera película Animalia Paradoxa en las ruinas de lo que fue la sede de Alameda 139 del Centro Arte Alameda, que fue quemado durante el estallido social por la violencia estatal y cuyo caso judicial sigue impune, a pesar de las múltiples pruebas visuales del origen de la autoría del incendio con bombas lacrimógenas.
La formación artística integral de Atallah en Estados Unidos antes de radicarse en Chile -que incluyó fotografía análoga, pintura, grabado y música-, se refleja en una experimentación visual fascinante donde seres post apocalípticos intentan sobrevivir a través del trueque en medio de la descomposición de la civilización, cuando ya no tienen siquiera acceso al agua.
En su primera película Lucía de 2010, Atallah había dado cuenta de la decadencia de un barrio residencial agobiado por la voracidad inmobiliaria y capitalista, a través de una experimentación pictórica. Luego en 2017 en Rey, ante la imposibilidad de la veracidad histórica sobre el autoproclamado rey de la Araucanía Orellie-Antoinne de Tonnes, Atallah reinventa libremente al personaje de manera experimental mezclando distintos formatos cinematográficos.
Quizás es cierto lo que dicen de nosotras, Sofía Paloma Gómez y Camilo Becerra (Chile, 2024)
La manipulación y control mental que puede sufrir una persona hasta quebrarle su voluntad e instalar un sistema de creencias tan alejado del acuerdo social que la lleva a cometer un crimen, es abordado desde el vínculo de una madre y sus hijas y el desmoronamiento de su familia en la ficción basada en el caso real de la secta Colliguay Quizás es cierto lo que dicen de nosotras», de lxs directorxs Sofía Paloma Gómez y Camilo Becerra.
En una actuación descollante de la actriz Aline Kupenheim, el personaje principal, Ximena, es psiquiatra y madre de una de las imputadas por haber asesinado a su hija recién nacida, que recorre un notable y perturbador arco dramático frente al proceso judicial y la tragedia que consume a su familia.
Ximena transita desde la racionalidad de montar la defensa jurídica de su hija Tamara como víctima de manipulación y de comprender psicológicamente el control ejercido por la secta (consumo de ayahuasca, privación de sueño, maltrato físico y abusos sexuales); hasta sufrir el cuestionamiento de su hija que nunca se adaptó a vivir en Chile tras su vida en Francia, como parte de su fisura mental; y llegar a verla como una desconocida con creencias extremas.
El otro lado de la esperanza, Aki Kaurismaki (Finlandia, 2017)
La complejidad del fenómeno migratorio irregular es abordada por el realizador finlandés Aki Kaurimäki desde los gestos de humanidad de los ciudadanos locales de Helsinki en El otro lado de la esperanza, en contraste con Estados indolentes que ya no acogen a refugiados, no reciben a migrantes ni hacen gestiones de reunificación familiar, abandonando sus obligaciones internacionales en materia de derechos humanos.
En su anterior largometraje sobre la misma temática El puerto(2011), es la solidaridad de clase la que hace que el lustrabotas Marcel Marx (un apellido que no es casual) apoye a Idrissa, el pequeño migrante que llegó ilegalmente al puerto de Marsella proveniente de Gabón. En El otro lado de la esperanza Kaurismaki nos muestra cómo el ciudadano finlandés Wikhström -que a sus 50 años decide cambiar de vida y comprar un restorán en decadencia- le tiende una mano al refugiado sirio Khaled, como si tomara personalmente la responsabilidad con los extranjeros que su país ya no asume.
Fiel a su particular estilo visual, el director nuevamente convierte los artefactos cotidianos típicos de la década del sesenta (teléfonos y automóviles) en una estética minimalista donde el tiempo parece haberse congelado. Se repite el manejo de la luz muy centrada en los personajes, como si fuera una puesta en escena de una pieza teatral; las luces de neón de los restaurantes populares; el tango cantado en castellano entre diálogos en finlandés; los grupos de rock de pueblo pequeño y las buenas dosis de alcohol.-
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