Por Marisol Aguila Bettancourt. Periodista y crítica de cine.
Con pre-estrenos a nivel latinoamericanos, estrenos y remasterizaciones de clásicos (incluyendo cine chileno), comienza la segunda edición del MUBI Fest Santiago del 3 al 6 de octubre, que también se realiza en Buenos Aires, Ciudad de México, Bogotá y Sao Paulo.
Aquí algunas recomendaciones del festival de esta plataforma de cuidada curatoría, que ha ido creciendo, al igual que los títulos de este año que llegan a la veintena, que se exhibirán en el céntrico circuito santiaguino conformado por Centro Arte Alameda, Cineteca Nacional, CCC y Mercado Urbano Tobalaba, donde se realizará una función gratuita y al aire libre.
Perfect days, Win Wenders (Alemania, Japón, 2023)
Cada mañana Hirayama recoge su futón, toma sus llaves y una bebida de una máquina expendedora al frente de su pequeño departamento, se sube a su furgón y se apresta a realizar su trabajo como aseador de baños en el centro de Tokio. La rutina (que la mayoría de la gente busca evitar) es homenajeada elevando al nivel de ritual las pequeñas acciones cotidianas, que hacen de mirar al cielo y respirar de manera profunda y agradecida antes de empezar la jornada, un gesto poético.
La última película de Win Wenders Perfect Days (2023) -que para muchos viene a ser un remanso tras una serie de títulos fallidos del director alemán-, nos infunde un modo zen de ver el mundo de un hombre solitario que sigue maravillándose de estar vivo, en un poético tono que recuerda a Paterson de Jim Jarmush. Trabajador responsable y con rectitud ética, hace de limpiar baños un servicio a la comunidad, a diferencia de su joven y desordenado compañero de trabajo, que pone el toque de humor en una narrativa con escasos diálogos.
Siempre atento a los detalles, Hirayama encuentra un papel doblado en un recoveco del baño con un juego de gato dibujado, en el cual cada día hace una cruz o un círculo que es respondido por un jugador secreto y dejado en el mismo lugar hasta la siguiente jugada. Hay un otro ahí, aunque no lo veamos.
Económico en sus palabras, Hirayama (el actor nipón Koji Yakusho, de La anguila) se comunica con el lenguaje de la poesía y del rock clásico norteamericano («Perfect day» de Lou Reed musicaliza y titula la película), que atesora en cassettes que cuida melancólico de otra época con menos relato de lo desechable. Tal como su cámara de fotos análoga con la que fotografía árboles del parque, cuyos rollos cada semana lleva a revelar y que selecciona en cajas como objetos tangibles que aportan a la memoria personal.
En ese cine como refugio en el que nos guarecemos mientras allá afuera la violencia y la guerra arrecian, esta película especialmente luminosa se exhibirá gratuitamente en el Mercado Urbano Tobalaba (MUT), el domingo 6 de octubre, a las 19 hrs. Belleza sublime. Imperdible.
Los Colonos, Felipe Gálvez (Chile 2023)
Al director chileno radicado en Francia, Felipe Gálvez, le tomó más de ocho años lograr el sueño de realizar Los Colonos, una película de ficción que fue posible con la co-producción de nueve países, que visualizó por primera vez cuando leyó un artículo sobre el genocidio selknam hace 15 años.
Los Colonos tuvo un auspicioso estreno mundial en la sección Una cierta mirada del Festival de Cannes en 2023, convirtiéndose en el ganador del premio de la crítica especializada FIPRESCI (galardón que nunca antes había quedado en manos chilenas) y fue elegida por la Academia de Cine como representante de Chile a los premios Oscar.
Con el afán de cuestionar la historia oficial escrita por los vencedores y evidenciar la página ensangrentada por el genocidio selknam (extraída del registro de los albores del sXIX), Gálvez desarrolla un western en paisajes patagónicos en que un grupo conformado por un teniente inglés, un mercenario estadounidense y un chileno mestizo como guía local emprenden viaje por la pampa para abrir una ruta al Atlántico para las ovejas del estanciero español José Menéndez (personaje real, interpretado por Alfredo Castro), al que el Estado de Chile le cedió miles de kilómetros para colonizar. En el guión co-escrito entre Gálvez y Antonia Girardi, el empresario los insta a abrirse camino a cualquier precio, asesinando a los indígenas y cortando orejas y otros órganos de sus cuerpos como evidencia de que en su conquista territorial avanzaron sin miramientos con los pueblos originarios.
En la segunda parte de la película, Gálvez polemiza sobre el rol del Estado chileno como colonizador de su propio pueblo, cuando después de 7 años de la travesía genocida llega hasta las tierras colonizadas un agente estatal, quien se enfrenta a Menéndez y busca documentar con imágenes los testimonios de los indígenas como parte de la naciente nación chilena. En términos cinematográficos es, justamente, el western el género que Gálvez considera cine de propaganda, que instaló en el imaginario a los indígenas como enemigos de la civilización y «justificó» su matanza.
Los Colonos es una historia que rememora al pueblo selknam masacrado en el siglo XIX a manos de colonos que impusieron límites, marcaron cercos, delimitaron tierras e instalaron la propiedad privada en el territorio de un pueblo que vivía en libertad y comunión con la naturaleza, generando una dolorosa conciencia del derramamiento de sangre sobre el que se fundó Chile como Nación. En el año 1901 en que está ambientada la película, el Estado buscaba «celebrar» el centenario en la falsa ilusión de que la conformaban igualmente chilenos, colonos e indígenas.
Más doloroso aún es pensar que el estanciero José Menéndez, empresario español que recibió tierras del Estado hasta convertirse en «el rey de la Patagonia», no sólo existió y construyó un imperio con las manos bañadas en sangre y pagando una libra esterlina por cada oreja de los indígenas asesinados, sino que hay calles en Punta Arenas que siguen llevando su nombre.
Como dato anecdótico, cuando la misión genocida cruza la cordillera de Los Andes (ambos lados de ella pertenecían al mismo Menéndez), se encuentran en el lado argentino con Francisco Pascasio Moreno -más conocido como el Perito Moreno- interpretado por el mismísimo director Mariano Llinás de El Pampero Cine.
La Sustancia, Coraline Fargeat (Francia, 2024)
La violencia simbólica que representa la cosificación del cuerpo de las mujeres tan persistente en el cine clásico y la publicidad, se convierte en la dirección de la realizadora y guionista francesa Coraline Fargeat en una violencia explícita de body horror en la ficción La Sustancia, reciente estreno Mubi Latinoamérica que viene precedido del premio a Mejor Guión en el Festival de Cannes de este año.
Con una propuesta radical y grotesca que se vuelve derechamente gore en la segunda parte de esta película de larga extensión (244 minutos) que por momentos se hace difícil de visionar, Fargeat homenajea a las películas clase B de los ochentas con ríos de sangre, vísceras y cuerpos de mujeres intervenidos en búsqueda de la eterna juventud, que devienen en monstruosidades deformes.
La elección de la propia actriz Demi Moore como protagonista no pudo ser más certera en el casting de The Substance como «una mujer que encarna un mito y un símbolo en sí misma», cuyas fotos de su rostro intervenido a sus sesenta años hace algún tiempo causaron impacto en redes sociales, constituyéndose en una suerte de víctima de la industria hollywoodense que -como tantas otras actrices- debió intervenir su cuerpo para optar a más oportunidades de trabajo.
Moore da vida y pone el cuerpo (literal) a Elizabeth Sparkle, una mujer que en su tiempo ganó un Oscar, tiene una estrella de la fama y realiza un programa televisivo de ejercicios a lo Jane Fonda en los ochenta. El mismo día en que cumplió cincuenta años es despedida por Harvey, un machista, grotesco y chabacano productor (inspirado en la figura de Harvey Weinstein), cuyos abusos generaron la rebelión de las actrices de Hollywood en el movimiento Me Too.
Desde una perspectiva feminista, la reiterada desnudez de Moore y Qualley en primerísimos primeros planos para acercarse a sus cuerpos tan expuestos, incomoda pero no por su erotismo (las imágenes no están hechas para el placer visual masculino), sino porque exponen la brutalidad del mandato y los estereotipos de género hasta el horror. Las imágenes se desprenden de su carga erótica para imbuirse de una crítica extrema y sangrienta (a lo Carrie de Brian de Palma de 1976) sobre lo que una industria machista y sexista espera de una mujer.
Las demás, Alexandra Hyland (Chile, 2023)
La sororidad en el centro, tiene la película feminista Las Demás de la directora chilena Alexandra Hyland, que aborda un tema tan complejo como la persistente criminalización del aborto en un país que sigue vulnerando los derechos sexuales y reproductivos de las mujeres, optando por la comedia dramática para abrir la conversación.
En la ópera prima de Hyland (quien además fue la guionista), un mundo de colores y estética kitsch cargado de glitter al ritmo del carrete nocturno, es el marco de la amistad inquebrantable entre las veinteañeras Rafaela (Nicole Sazo) y Gabriela (Alicia Rodríguez), cuando la primera queda embarazada y ambas enfrentan las peripecias para conseguir a la “señorita Trol” (misotrol) en un Chile en que se continúa criminalizando el derecho a decidir de las mujeres sobre su propio cuerpo y se siguen poniendo restricciones incluso en la interrupción del embarazo en tres causales.
Las Demás es una comedia dramática fresca, con una atractiva y colorida puesta en escena y dirección de arte donde las jóvenes expresan su identidad y viven su libertad sin tapujos entre luces de neón, desde el realismo de mujeres jóvenes cercanas y poco solemnes con tintes a veces caóticos, teniendo que hacerse cargo emocional y económicamente de las restricciones a los derechos sexuales y reproductivos.
La situación personal de Rafa (apoyada incondicionalmente por Gabriela) traspasa la esfera individual para ampliarse a la colectiva, hermanándose con otras jóvenes en el deseo de que el aborto fuera más seguro y menos caro, al punto de esperar “que se acabe Chile” en medio de su frustración por las restricciones a la autonomía de las mujeres.
Casa Roshell, Camila José Donoso (Chile, 2017)
Ya en 2017 la directora chilena Camila José Donoso expandía los límites transfronterizos entre géneros cinematográficos y también en la expresión de género de hombres dispuestos a experimentar en la película chilena-mexicana Casa Roshell, que muestra el devenir de un espacio íntimo y reservado para que varones puedan realizar travestismo.
La tercera película de Donoso (Nona, Naomi Campbel), no tiene únicamente un registro documental, sino que es un híbrido con una ficción construida en base a vivencias reales y microrrelatos del club Casa Roshell, que incluye tanto a asistentes a la casa dispuestos a mostrar su intimidad; a otros tantos que durante el proceso se convencieron de hacerlo sin importarles las consecuencias; a algunos que no podían aparecer en pantalla para que sus familias no descubrieran su secreto y fueron representados por actores profesionales (uno chileno y otro mexicano).
Esta rica ambigüedad entre ficción y documental que traspasa ambas categorías, logra transmitir la atmósfera íntima de un espacio de resistencia, en el que hombres que viven durante la semana laboral enfundados en ternos y corbatas pueden ir para darse un regalo a sí mismos: tomar el pack que incluye maquillaje, tacos, pelucas y vivir por algunas horas en un lugar de libertad para vestirse, actuar y sentir como mujeres.
Ficción y no ficción como espacios de ir y venir, en tránsito como las propias personas trans o en un movimiento libre de categorizaciones, para aquellos que -como canta la dueña del club, Roshell Terranova, con su cabellera platinada, sus pestañas postizas y rojos y brillantes labios- «son lo prohibido».
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