Por Marisol Aguila Bettancourt. Periodista y crítica de cine.
Un padre ausente que busca retomar el vínculo con su hija a través del cine, un poeta maldito incomprendido que respira poesía, el dilema moral de personas torturadas, el simbolismo de una mirada supuestamente contagiosa, reivindicaciones feministas en clave musical, transiciones personales y políticas, y documentos de una época cargada de xenofobia, son algunas de las más interesantes propuestas cinematográficas que trae la 21° edición del Santiago Festival de Cine (SANFIC). Aquí les comparto algunas películas que he tenido la oportunidad de visionar, que se constituyen en imperdibles del Festival.
Fue sólo un accidente, Jafar Panahi (Irán)
«No somos asesinos, no somos como ellos», «no tenemos que usar la violencia como lo hicieron ellos con nosotros», replica con fuerza una víctima de tortura en contraposición a otra que quiere terminar con la vida de su torturador cuando se ven enfrentados al dilema moral de qué hacer con el hombre que les destrozó la vida, en la ficción Fue sólo un accidente del director iraní Jafar Panahi, ganadora de la Palma de Oro en Cannes en 2025.
La película fue filmada en clandestinidad como casi toda la obra de Panahi, que ha sido perseguido y hasta encarcelado por el régimen teocrático iraní que lo acusa de «hacer propaganda contra el sistema y colusión contra la seguridad nacional».
Tal como otros cineastas iraníes, Panahi ha utilizado métodos creativos para seguir filmando y evadir la censura del régimen (así lo ha hecho el cine iraní con la actuación de niños, por ejemplo), en este caso aplicando un sorpresivo humor a modo de gags cuando un grupo de personas (incluida una novia) descubren y secuestran a su verdugo, sin tener la certeza de su identidad.
Pero, sin duda, lo que más conmueve es el trauma psicológico de las víctimas que vieron truncados sus proyectos de vida y que cargan en su propio cuerpo las consecuencias de la tortura, con un punto álgido en el enfrentamiento valiente de una mujer torturada con su torturador.
Sentimental value, Joachim Trier (Noruega)
Un exitoso director de cine nórdico que ha estado ausente de la crianza de sus hijas, vuelve a presentarse en sus vidas cuando ya están adultas para ofrecerle un papel en su próxima película a la que es actriz, que tiene brotes de crisis de pánico antes de salir a escena en el teatro y ha padecido intentos suicidas en Sentimental value, de Joachim Trier.
En sus dolores, Nora es apoyada cariñosamente por su hermana menor, Agnes -quien ha llevado una «vida normal» y ha formado una familia-, que ante la reflexión de la vapuleada actriz sobre las diferencias de salud mental entre ambas habiendo tenido la misma crianza, le responde que ella tuvo la suerte de tener una hermana mayor que la sostuviera emocionalmente.
Nora se resiste al ofrecimiento de su padre de interpretar el papel que ha escrito especialmente para ella, incapaz de confrontarlo en su cariz autoritario y controlador. En una relación de poder no resuelta que continúa como una herida abierta, ella irá descubriendo el valor sentimental que subyace al complejo vínculo entre ambos.
Un poeta, Simón Mesa Soto (Colombia)
Como una forma de reirse de sus propios dilemas como artista, el director colombiano Simón Mesa Soto creó el hilarante y patético personaje del poeta maldito Oscar Restrepo en la comedia dramática y tragicómica Un poeta, que se llevó el Premio Especial del Jurado en la sección Una cierta mirada en Cannes en 2025.
Con un frenético montaje de corte directo al inicio, Mesa Soto nos conduce agitadamente por las calles de Medellín siguiendo a este poeta maldito alcoholizado, que vive de allegado con su madre por falta de plata, cuya hija adolescente le tiene lástima y cuyo dolor ha sido la narrativa de su poesía.
Interpretado por un actor natural que es el tío de un amigo del director, este poeta que se ve obligado a dar clases de poesía en un colegio, donde descubre los versos de Yurladi, una talentosa alumna a la que intentará ayudar para que escriba poesía en medio de su realidad de precariedad económica e incomprensión familiar.
La ola, Sebastián Lelio (Chile)
El director chileno que más se ha acercado al universo femenino, Sebastián Lelio (con Gloria, Una mujer fantástica o Desobediencia) echa mano de una estrategia oblicua al utilizar el canto y el baile para abordar una temática de gran complejidad como es la violencia contra las mujeres y el abuso sexual, inspirado en el mayo feminista universitario de 2018.
En su novena película, el internacionalmente reconocido director chileno, asume un riesgo al abordar un género como el musical -que casi no encuentra antecedentes en Latinoamérica-, que por momentos consigue impactar con su exigente coordinación de decenas de personas en cuadro y sorprende con elementos surrealistas; y, en otros, se vuelve algo distante, especialmente por una mirada que parece relativizar la denuncia de la protagonista, lo que le resta fuerza a la denuncia política.
La Ola viene a poner en escena reivindicaciones de estudiantes universitarias que fueron abusadas por profesores y compañeros de universidad. Por lo complejo de la producción, lo hace años después de sucedidos los hechos, justamente cuando la ola pendular está en el movimiento opuesto, donde quienes habían perdido sus privilegios del modelo patriarcal buscan recuperarlos arriesgando las conquistas civilizatorias de las mujeres.
Cuerpo celeste, Nayra Ilic (Chile)
Situada en el desierto de Atacama en 1989, el último año de la dictadura, y el primero de la democracia en 1990, Cuerpo celeste de la directora Nayra Ilic -premiada con menciones especiales en los festivales Tribeca y Guadalajara- nos habla de una doble transición: la personal por una pérdida y la política, con la promesa incumplida de que la alegría iba a llegar.
Logrando una adecuada recreación cultural de la época con el uso de palabras como «grupienta», «dark», «flaca» mientras suena la música de Aparato raro, Los enanitos verdes o Upa, en este coming of age Celeste (una debutante Helen Mguralski) deberá hacerse grande frente a un evento familiar inesperado.
Aunque Celeste tiene menos años de los que tenía Ilic en los noventa, el personaje tiene aspectos biográficos de la directora que vivió su juventud en El Salvador a 2 mil metros de altura, donde varias familias formaron una comunidad amorosa que se iban a acampar a las playas desiertas del norte con carpas hechas con sacos de papas, construyendo otea realidad posible frente al horror político de la dictadura.
Si vas para Chile, Amilcar Infante y Sebastián González (Chile)
Ganador del premio Emerging International Filmmaker Award en el festival Hot Docs de Canadá -el prestigioso festival de documentales donde se estrenó a nivel mundial-, Si vas para Chile o “Unwelcome” en su título en inglés de los directores chilenos Amilcar Infante y Sebastián González, recoge tanto las razones humanitarias de quienes emigran de su país de origen, como las de los ciudadanos del país de destino que se ven tensionados por la complejidad del proceso migratorio.
Constituyendo un documento de una época marcada por la xenofobia y la aporofobia (el rechazo a los pobres), es un impactante registro de la marcha anti inmigrante ocurrida en Iquique en 2021 donde participaron unas tres mil personas, que culminó con la destrucción y quema de las pertenencias de migrantes (incluidos coches de bebés, juguetes y carpas).
Cuando se enteraron lo que estaba ocurriendo en Iquique, Amilcar Infante y Sebastián González tomaron sus cámaras y equipos de sonido y partieron al norte para documentar este proceso social. El resultado son valiosos y emotivos testimonios de migrantes que caminaron toda la noche sufriendo el brutal frío del desierto de Atacama o de aquellos que debieron refugiarse en un local junto con niños que lloraban de miedo, para no ser agredidos.-
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